CINE

Pérez Reverte habla de que su única condición fue que se respetase el espíritu de Alatriste, y se ha mostrado satisfecho con el resultado. ¿Cuál es ese espíritu de Alatriste que aparece en la película?

Históricamente es un soldado de los tercios españoles que es un legionario cuando no está combatiendo con los tercios, mercenario, en el sentido que se alquila por dinero para matar o herir a gente. Ese es el formato por arriba, por abajo, lo que es Alatriste, es aquello que decía Ortega y Gasset que es muy bonito “un aristócrata del pueblo”, un héroe del pueblo.

Al acercarse al XVII español, nos encontramos con un poder en decadencia, a punto de desmoronarse, pero al
mismo tiempo un pueblo con una energía desconocida para muchos.

¿Cómo está reflejado esto en la película? ¿La grandiosidad y la miseria?

Los años que abarca la película que es de 1622 a 1643 corresponden con casi el último momento del imperio español. En esos años de historia está condensada la subida y caída de un imperio.

La miseria es la cúspide del imperio: la riqueza, los nobles, el rey, la iglesia o por lo menos una gran parte de ella. Por otra parte estaba el pueblo, que era el que luchaba y sufría. Es lo que más cuidado hemos
tenido, en realidad es un soldado pobre pero que tiene su dignidad y alrededor de él todos sus compañeros o la gente con la que él trata. Se ven las condiciones de vida durísimas del XVII, pero al mismo tiempo cómo el pueblo aprende a sobrevivir y a ayudarse unos a otros, a veces, teniendo que hacer cosas terribles y a veces no.

Hablas de que los españoles tenemos “mal rollo con nuestra historia”, y que por ello se han hecho pocas películas históricas ¿Cómo es posible que teniendo una historia tan importante y fascinante –que entusiasma a miles de hispanistas de todo el mundo- no se haya explotado ese filón en nuestro cine?

Primero, justamente porque tenemos muy mal encaje con nuestra historia; ha habido momentos -ya menos- en que casi que nos la han sacado adelante los hispanistas, la gente de fuera; incluso fíjate ahora, todo lo que está ocurriendo con la ley de la memoria histórica, pasados 60 años de la guerra civil es un tema que no está zanjado en la mente de los españoles totalmente.

La nuestra, todo hay que decirlo, es una historia muy conflictiva. No hemos conseguido lo que otros países que ya pueden hablar de sus pasado sin crear una “división” mental entre sus compatriotas.

Que se puede asumir que el pasado fue así y no pasa nada. Si tu ves “Master and Commander” y oyes al capitán Aubrey decir : “Este barco es Inglaterra” nadie piensa “Ah bueno, pero esto puede ser la derecha la
izquierda.”, eso ya está sumido que es así, que la armada inglesa era esto o la armada francesa era aquello.
La otra razón, es que considero que la producción española ha sido muy perezosa con respecto a estos temas. Han decidido que las películas histórica españolas no interesan al publico y no se hacen. Algo que no es verdad, si repasamos un poco los últimos 15 años las película históricas españolas han dado dinero todas y las
series de televisión también han funcionado muy bien.

¿Por qué tenía tan claro desde el comienzo que esta película nunca la hubiera rodado en inglés?

En estas cosas soy bastante patriota en el buen sentido de la palabra, de patriotismo republicano. Detesto, no que nosotros hagamos películas en inglés, sino que personajes nuestros absolutamente históricos se hagan en inglés. Es decir a nadie se le ocurría que un director nuestro fuera a EEUU ha hacer la vida de Kennedy en español. Que se me entienda, a mí me encantaría hacer una película en inglés, pero siempre que los personajes fueran ingleses o americanos.

Hablando de las repercusiones para la cinematografía nacional, ¿cree que Alatriste puede contribuir a una regeneración de nuestro cine, incursionando a nuevas historias, géneros o producciones?

Ya me gustaría, que entre otras cosas si la película tiene suficiente éxito en taquilla sirviera para que otros compañeros o yo mismo, pudiéramos hacer otro tipo de películas que tenemos colgadas cuando hablamos
entre nosotros; más que nada siempre por falta de presupuesto y por falta de ambición de llevar esos proyectos adelante.

¿Qué ha significado ya la película para las posibilidades de nuestro cine?

Creo que haberla hecho ya es un éxito tremendo. Hemos traído gente de fuera, entre ellos a Viggo Mortensen que venía de rodar el Señor de los Anillos (que es una superproducción bestial), pero todos al vernos rodar dijeron que estaban asombrados y a la vez muy tranquilos de cómo se trabajaban las películas en España. Te diré que nosotros tenemos la calidad técnica y artística para hacer este tipo de películas.Además, por lo menos esta película, ha demostrado que también hay empresas que pueden meter el dinero y arriesgarse en hacerlas. Por eso digo que ya es un triunfo en sí mismo haberla hecho.

La “ira” no pierde vigencia

Robert DeMott

*Robert DeMott es profesor de Literatura Estadounidense en la Universidad de Ohio y ex director del Centro de Investigación Steinbeck de la Universidad del estado de San José, en California.

A raíz de la crisis Tom Joad y su familia pierden su granja en Oklahoma.

“Las uvas de la ira”, la novela del estadounidense John Steinbeck, cumple esta semana 70 años de publicación.

Ambientada en 1930, cuando Estados Unidos sufre la crisis económica conocida como la Gran Depresión, la novela ha cobrado hoy día una relevancia inusitada.

Esta épica novela narra el angustioso éxodo de Tom Joad y su familia, expulsada de su granja en Oklahoma, por la carretera 66 que atraviesa el suroeste estadounidense hacia lo que -equivocadamente- creen que será un futuro mejor en California.

Para muchos lectores, ésta es la obra literaria que mejor refleja la época de la Depresión y una suerte de “historia al revés” en relación al típico relato sobre un hombre pobre que se vuelve rico, que tanto fascina a muchos estadounidenses.
La ira de Steinbeck

“Las uvas de la ira” trata la ola de ejecuciones hipotecarias, el desplazamiento y la pérdida de empleos provocada por los desastres económicos y ambientales como una epidemia nacional.

La década de los ‘30 fue una de un elevadísimo índice de desempleo en EE.UU. que alcanzó el 25% en 1933, y que continuó en un 19% en 1938, año en que Steinbeck situó la novela.

El escritor no dudó en atribuir parte de la culpa de estas catastróficas condiciones a los “Bancos”, las “Compañías” y el “Estado”, es decir, a corporaciones sin alma y sin un rostro visible, organizaciones institucionales y burocráticas.

Así, la novela tiene esta cualidad furiosa, dura, pero no ofrece una respuesta práctica a la población desplazada por el cambio de una economía agrícola a una industrial.

Steinbeck se sentía indignado por las deplorables condiciones en las que vivían y trabajaban los migrantes y sus familias (se estima que había al menos unos 300.000) al llegar a California, su propio estado.

Steinbeck se sentía indignado por la forma en que eran tratados los trabajadores migrantes en California.

Pero quien a hierro mata, a hierro muere. Si lo que buscamos es poder de evocación, sentido de urgencia emocional e impacto sostenido, son pocas las novelas estadounidenses que están a la par de “Las uvas de la ira”. Setenta años después de su aparición, se siguen publicando nuevas ediciones y sus ventas no han disminuido.

Se suele pensar que para que un libro se convierta en un clásico debe trascender su origen y permanecer intacto al paso de los años. Sin embargo, es más correcto pensar que un libro alcanza el estatus de clásico precisamente porque logra reflejar los más recientes desarrollos históricos.

Un clásico de la literatura se vincula directamente con las preocupaciones de los lectores en sucesivas eras históricas y culturales.

En este sentido, “Las uvas de la ira” es una novela profética, arraigada en las tragedias económicas y medioambientales de la Gran Depresión, que hablan a su vez de la dura realidad de nuestro tiempo.

En momentos en que el mundo sufre una crisis global, amenazado con una recesión severa -causada en gran parte por la ambición desmedida, los delitos fiscales y la arrogancia corporativa-, cuando distintos grupos en el planeta migran por distintas causas, cuando la brecha entre ricos y pobres parece imposible de cerrar, y cuando las expropiaciones y las ejecuciones hipotecarias aumentan en EE.UU. y otros países, es posible pensar en “Las uvas de la ira” como una novela contemporánea.

“Se los dije”

Pero el impacto de Steinbeck no termina allí. Durante toda su carrera -que se extendió hasta bien entrada la década de los ‘60-, Steinbeck fue un escritor de una conciencia notable que demostró un profundo respeto por las normas morales.

Él mantuvo una relación particular con EE.UU., llamando la atención sobre el materialismo, el imperialismo institucional y la ambición desmedida, productos lamentables e inevitables de una sociedad capitalista industrializada y avanzada.

Es imposible saber cómo Steinbeck hubiese reaccionado a los males que el mundo sufre hoy día, aumentados en parte por la especulación financiera sin límites y la falta de control de los gobiernos, pero me inclino a pensar que, dados los resultados, él podría haber dicho, “se los dije”.

“Volver es una apuesta por una España blanca y luminosa frente a la España negra del odio”

“No he hecho esta película para solucionar mi problema personal con la muerte –ha dicho Almodóvar–. No es que le tenga miedo: es que es un ciclo que no entiendo, aunque está claro que está ahí. Volver no me ha hecho entenderla mejor, pero sí mirarla de un modo más natural, mirarla con menos extrañeza. Y ese es el tema principal de esta película, la relación cordial y saludable que la gente de La Mancha tiene con la muerte. Allí el duelo es como una catarsis, una catarsis que a los vivos les hace mucho bien”

Que España tenga hoy, por el apoyo del pueblo, una ley de matrimonio gay que no tienen, de momento, ni Francia ni Alemania, se debe, en profundidad, más a Almodóvar que a Zapatero: el primero cambió la realidad, el segundo sólo ha cambiado la ley. Sin la revolución moral protagonizada (entre otros, por supuesto) por Almodóvar, nuestro país no estaría a la vanguardia. El cine de Almodóvar ha revolucionado, en muchos aspectos, el paisaje de España.

Los enterradores del cine español van a tener que continuar echando paletadas de tierra encima del muerto. Y es que el cadáver, a cuyas exequias asistimos año sí, año también, resulta que está más vivo cuanto más se le entierra. O, dicho de otra manera, cuando menos se le espera, resucita. Y de qué manera.

La última resurrección viene de la mano de “Tapas”, una película modesta de presupuesto y ambiciones pero rica en talento, que acaba de ganar el Festival de Málaga con todo merecimiento.

Viniendo de donde viene, de dos guionistas y directores nóveles en el cine pero curtidos mediáticamente en la televisión, en la “factoría Buenafuente”, las expectativas sugerían una comedia
de humor garantizado. La sorpresa es que nos reímos, y de veras, pero ante cine de verdad: una comedia donde la vida se cuela y lo revoluciona todo, abriendo el diapasón de los registros desde la carcajada al llanto y dando a los personajes, sus relaciones y conflictos la hondura, la complejidad y la verdad de la que carecen siempre en
televisión. “Tapas” es cine, y no un remedo de televisión. Una película de verdad y no un simulacro de serial televisivo.

Rodada en Hospitalet, en el cinturón “charnego” de Barcelona, “Tapas” -que desde el título juega a la ambigüedad: todos van alegremente al bar de tapas, pero también todos tienen algo que “tapar”: lo que les hace infelices es un relato de vidas cruzadas, un relato del barrio y sus gentes, que se aproxima con descaro a la vida cotidiana de un puñado de vecinos hasta llegar a sus más hondos y escondidos secretos: allí donde anida la fuente de su soledad o su insobornable voluntad de ser y de amar.

Corbacho y Cruz, guionistas y directores al alimón, crean toda una galería -conmovedora- de personajes que si, por un lado, configuran lo que podríamos definir como una película coral, al tiempo -y esto es lo más difícil- logran que cada uno mantenga su perfil propio y definido. Algunos son personajes memorables, como Lolo, el dueño del bar, magistralmente interpretado por Ángel de Andrés, y del que no se nos ahorra
ninguna de sus facetas: explotador, avaro, taimado, putero, desconfiado... pero pletórico de humanidad. O Raquel, a quien da vida Elvira Mínguez - premio a la mejor actriz en Málaga-, una mujer treintañera, abandonada
por su marido, que se debate entre dos amores secretos: uno por internet y otro al que le dobla la edad, y a la que las impertinencias diarias de sus clientas no desaniman en su desesperada búsqueda de su legítimo trozo de paraíso Atravesada por una hilaridad cómica que nunca decae, pero tampoco desbarra en lo chabacano o el chiste fácil, “Tapas” consigue no naufragar en su dificilísimo intento de aunar su voluntad de hacernos reír y su afán de contarnos la amarga verdad. Y lo logra por la única vía posible: porque a Corbacho y a Cruz les preocupa, de verdad, el destino de la gente que han convertido en sus personajes, les preocupa, en fin, la gente del barrio. En definitiva, ellos también son de Hospitalet.